Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.
Wojciech Babski
Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.
Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.
Warren Chang
Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.
Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.
Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.
Aurelio Bruni
Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.
Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.
Alekasander Balos
Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.
В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.
После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.
Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.
Alyssa Monks
Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.
Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.
“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.
Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.
Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.
Antonio Finelli
Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.
Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.
Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.
Flaminia Carloni
Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.
Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.
Denis Chernov
Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.
Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.
Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.
Большинство известных художников, таких как , или Микеланджело, начали рисовать с детства. Они завершили свои первые знаменитые работы, не достигнув и 30-летнего возраста. Ниже представлены первые работы известных художников, написанных в раннем возрасте.
, «Пейзаж близ Фигераса» (6 лет)
«Пейзаж близ Фигераса» - одна из самых ранних сохранившихся работ Сальвадора Дали, которая была создана им в возрасте 6 лет на почтовой открытке. Написана картина тонким слоем масляной краски, поэтому можно видеть проступающие по краям элементы оформления почтовой карточки. Многие из его первых работ отражают традиционные каталонские пейзажи, которые были его родиной.
Пауль Клее был одной из крупнейших фигур европейского авангарда. После окончания художественной школы он разобрал свои детские эскизы, и рисунок ниже — один из них, который он выделил среди всех остальных. Позже в своей карьере он также использовал детские наброски в рамках собственных работ, поскольку считал, что детское «сырое» искусство является самым ценным.
Немецкий живописец Альбрехт Дюрер считается одним из величайших мастеров западноевропейского Ренессанса. С именем Дюрера также связано становление североевропейского автопортрета как самостоятельного жанра, поэтому он считается одним лучших портретистов своего времени. Первый портрет был написан, когда он начал работать для своего отца в ювелирном мастерской, но очень скоро Альбрехт понял свое истинное призвание и начал свое художественное образование под началом ведущего нюрнбергского художника того времени — Михаэля Вольгемута.
Эдвард Хоппер, один из крупнейших урбанистов 20 века, начал рисовать в возрасте 5 лет. Он любил рисовать всё, что его окружало, особенно море, которое он видел, когда его семья выезжала летом на побережье Массачусетса. Эскиз, приведенный ниже, был наброшен на табель успеваемости Хоппера в третьем классе в 1891 году.
, «Пикадор» (8 лет)
Пикассо начал рисовать с раннего детства. «Пикадор» считается самой ранней из сохранившихся, а также первой серьёзной картиной маслом Пабло Пикассо — она была написана им в возрасте 8 лет. Мальчик написал её под впечатлением от боя быков.
В 2008 году автором этой картины был признан 12-ти или 13-летний Микеланджело — это самая ранняя сохранившаяся его работа. В июле 2008 года картина была приобретена на аукционе «Сотбис» за 2 миллиона долларов как произведение мастерской Доменико Гирландайо, в которой среди прочих обучался и Микеланджело. «Терзания святого Антония» - самое дорогое на сегодняшний день произведение искусства, созданное ребёнком.
Художник… При этом слове у рядового человека скорее всего возникнет образ бедного бородача в блузе и беретке с кистью в руке, романтического героя с пылающим взором – этот бессмертный образ навеян еще искусством XIX века, закреплен историями художников с Монмартра и никак не желает изменяться до вполне преуспевающего человека (не обязательно мужчины) за монитором, каковым чаще всего является участник современного арт-процесса.
В. ван Гог. Как художник. 1888
Вот как описывали «художника классического», назовем его так, посетители выставок в Уфе, которых я просила озвучить первую ассоциацию со словом «художник»: «мужик лет сорока, худой и бородатый, в берете, с заляпанным масляной краской подолом бархатного жилета», «борода, берет, вельветовые штаны в краске, очень худой», «мужчина в возрасте, лет 50-60-ти, бородатый, упитанный», «эпатажный интроверт, тонко чувствующий, с бородой». Когда я спрашивала, изменится ли что-нибудь в их образе художника, если добавить к слову «художник» слово «современный», мне отвечали, что не видят принципиальной разницы. То есть художник в представлении публики – это прежде всего мужчина средних лет. Участвовавшие в опросе женщины подчеркивают особенности его внутреннего мира, его чувствительность и, условно говоря, хрупкость; тогда как в представлениях мужчин-зрителей большее значение играют внешние черты, в том числе одежда, те приметы, что визуально ясно могли бы обозначить социальный статус художника.
М.-Д. Вильер. Рисующая молодая женщина. 1801
То обстоятельство, что в искусстве прошлых веков существовали художницы, а уж в современном искусстве они действуют не менее активно, чем художники, описанный стойкий образ представляется анахронизмом. Поэтому деятели современного арт-процесса стремятся утвердить новый образ художника-предпринимателя, как это делает Олег Кулик: «Все это легенды и мифы XX века: художник мучается, толпа его не понимает. Это уже в 80-е годы было немодным образом, дольше задержавшимся у нас из-за медленности социального развития. На самом деле современный художник – богатый, преуспевающий человек, прекрасно ориентирующийся в мире. Гораздо лучше, чем люди других профессий. И я считаю, что это правильно и прекрасно. Все эти мучения, ну такая ерунда…» Этой трансляции нового образа поддаются и журналисты, и сами художники.
Фрида Кало за работой
Однако «художник классический», назовем его так, настолько врос в сознание публики потому, что ассоциируется с эпохой до-модернизма, вернее самой зари модернизма, когда художники еще писали масляными красками по холсту. Именно тогда, по мнению многих, искусство было «настоящим» - в массовом сознании есть достаточно цельные представления об эпохе Возрождения, передвижниках или импрессионистах, но все, что происходило в искусстве после «Черного квадрата» Малевича, остается для многих загадкой, неким обрывом истории искусства.
П.М. Шмельков. Художница. 1870-е
